Leónidas Correa: "El color de la naturaleza"

Por Marta Leonor González

En 1977, Leónidas Correa comenzó a desarrollar su talento artístico a través del estudio del dibujo en la Escuela de Bellas Artes en Granada. More…Unos años después emigraría a Costa Rica y en su etapa de adolescente, a los 17 años, exhibiría su primera exposición individual en Galería Comercial El Pueblo, en San José, Costa Rica.

Hace un par de años este artista que actualmente vive en Toronto, Canadá, alcanzó el II Premio de la “II Bienal de Pintura Nicaragüense” con su obra “Padre e Hijo”, acrílico sobre tela 200 cm x 140 cm, 78 6/8” X 54 9/8”. Su virtud , que ha ido en ascenso ya traía desde sus años juveniles.

Expone una muestra singular, “Desde el surrealismo al minimalismo: ¡Un homenaje a la madre!”. Visto desde diversos ángulos es una exaltación a la naturaleza humana y a la madre naturaleza, mirada desde una perspectiva creadora o desde su condición “el artista crea o recrea una ideología”.

Idea que adquiere forma, color y tamaño, contrastes, luminosidad, fuerza interior, “con diferentes colores, matices y corrientes artísticas”. En esta exposición que se exhibe hasta el 15 de junio uno se pregunta: ¿No es acaso esa figuración que se vuelve tan real? Correa responde: “Claro, la rosa es real, pero su color, forma, textura y luz se envuelven en un ambiente mágico, surreal completamente, que pareciera sueño”.

Los acrílicos (serie de aguacates, 8 pinturas) que muestra Correa tienen un origen minimal, una obra de formas geométricas estrictas y de unas modalidades elementales de materia y color, que evidentemente reacciona contra el lirismo y el expresionismo abstracto y la figuración del pop art, al tiempo que aporta una renovación de la abstracción fundada en la elección de formas, colores elementales y la utilización de formas geométricas simples.

Y es que este homenaje a la madre tiene de onírico, romántica representación de lo que trata ser mujer, con un concepto de belleza maquillado, pero dándole a la naturaleza ese lugar preponderante de eterna hermosura.

Correa ve a la rosa como una figura determinante en su creación. Rosa no convencional, aislada y recubierta de una factura de total limpieza. No es la rosa tradicional del bodegón o la decorativa de salas. Todo lo contrario, la presencia de la pintura de este ingenioso es la creación de un ambiente que sobrepasa todo lo común y lo trillado.

La pintura hiperrealista de Leónidas y de su técnica figurativa expone, según él mismo, “el minimalismo que es una síntesis de la línea, el color, la composición. En él hay una característica, completamente en síntesis con el barroco, y toda otra corriente que tenga un abuso de elementos. Me identifico con Donald Judd después de haber visto una de sus exhibiciones en una de las galerías de Nueva York el año pasado: en la Galeríade Wildenstein”.

¿Y cómo concebís el hiperrealismo en tu trabajo?

Como un término real, mi obra es más que eso. Hay un planteamiento más de fondo en ello. Pero en otros términos se concibe a su vez como la descripción pictórica de una fotografía, una manera que se convierte en un “Tromp l´oeil” o sea algo que engaña a simple vista y se asemeja a una fotografía, aún se le añade el efecto que la cámara da cuando está fuera de foco, como el caso de Gerhard Richter, pero el más consistente es Claudio Bravo.

¿Estás más cerca del surrealismo que de la realidad cuando te expresas pintando?

Parece realismo, pero cuando ves las formas te das cuenta de muchas cosas. Podría representar una idea de un espacio en el cual los azulejos se vuelven más abstractos, y la textura es profundidad si ves un cuadro y otro. El minimalismo es una corriente que se ha dado en la pintura, pero con mayor auge en la escultura. Es llegar a la síntesis de los colores y la composición, se diferencia de la abstracción por su simpleza, puede ser lineal en su escultura o líneas o un cubo.

Por ejemplo el surrealismo probablemente ha sido una de las corrientes más difíciles de abordar. Ha tenido muchas controversias, se han levantado reyes y reinas, los cuales han sido los grandes precursores del movimiento artístico. Hablando de Salvador Dalí y Frida Khalo, el primero con una técnica concepto indiscutible, la otra con una idea táctil y sublime, el que a mí me interesa como tal es René Magritte. No es que lo estoy siguiendo de ninguna manera, sino que admiro su perspicacia en su obra de figuras, un surrealismo a lo clásico.

En la pintura metafísica ya no son los sueños los que rigen sino la libertad mental de la imaginación, el quehacer humano de crear y de recrear ambientes oníricos y predeterminados del subconsciente con una minuciosidad inaudita. El mayor exponente sigue siendo Armando Morales.

¿Y tu obra en ese contexto, la definís… cómo?

Mi obra es por naturaleza ultramodernista, con colores nuevos en matices e intensidad que se transforman ante las diferentes tonalidades de la luz como en un camaleón, en un sinfín de matices cromáticos perlados e iridiscentes, dándoles a su vez un matiz surreal, como en un sueño real que al despertar uno se queda con la incertidumbre de que si eso realmente ocurrió. Así da la impresión que si el color es realmente gris azulado o gris dorado y una ilustración o fotografía de la pintura lo único que hace es agravar más el asunto.

Mi resumen es que el minimalismo y misueño, el surrealismo, pero sobre todo le hago un homenaje a la reina de la fertilidad y princesa del amor maternal. Algo lo cual los hombres nunca iremos a igualar.

Sí, lo que se da es un realismo que va más allá de la fotografía, y me gustaría darle un realismo único a los sujetos, para dar otro ambiente y que trascienda más que la fotografía que es solo un ambiente. La pintura es más intensa.

¿Es un trabajo pictórico más surrealista que realismo?

Por ejemplo, esta es una manzana pero además de tener su forma tiene una atmósfera diferente que sabemos que la ubica en otra realidad. Los contrastes de colores la hacen parecer como algo que no está en la realidad, pero uno lo puede asimilar por sus sombras y colores llega a ser surrealista.

¿Las frutas son un constante homenaje a la naturaleza?

Los aguacates “son una representación de la fertilidad, por el hecho que es una fruta o semilla que protege y es como una madre que cubre la semilla, como la misma madre que le da protección a su hijo en su vientre”

¿Qué te produce ver un cuadro tuyo?

Mucha calma, tranquilidad y equilibrio.

¿En retrospectiva cómo te ves a vos mismo?

Me vengo identificando cada vez más porque las tonalidades que estoy plasmando son diferentes, no sólo cambiar de tema sino que por su color y tonalidades el cuadro cambió de color y que sea otro cuadro, dependiendo de donde uno lo vea.

Siempre me han gustado las frutas desde niño y me recuerda mi niñez cuando me subía a los palos de mangos y de jocotes, más que todo la numerología de una mujer, o un marañón y es muy minimalista por su sencillez y en la simpleza está la elegancia, según mi manera de verlo, tengo como un año de estar trabajando en esta muestra.

Es una exposición de treinta pinturas, es como un homenaje a la Madre, y a la naturaleza misma es una manera cómo ella se va descubriendo a ella misma y el cambio en su persona cómo va acompañada; y me gusta por los colores que van cambiando y es algo que estoy trabajando bastante en los contrastes y en el color, trabajando con los grises azulados.

¿Te gusta hacer que la pintura varíe en dependencia de donde se le mira?

Es un trabajo de luz que le doy a mi obra. Los claroscuros van cambiando conforme la luz. Integro a la obra elementos de luminosidad.

Galería de pinturas

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Un comentario Agrega el tuyo

  1. Un trabajo maravilloso, puro, detallado y muy muy especial, no es realista, pero atmosferico…metafisico a partir de las cosas u objetos de la realidad, muy logrado y el uso de colores es increible, gracias Marta Leonor G. por esta entrevista de artista tan interesante.

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