ESCENARIOS de David Ocón

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Por María Dolores G. Torres

La vuelta a la imagen y el retorno a la pintura, supeditada al universo de los medios de comunicación masiva, supone una reacción ante los límites impuestos por las vanguardias conceptuales que habían proscrito la figuración. En este proceso, la pintura proyecta como una pantalla neutra un mundo de imágenes fruto de un proceso de presentación más que de representación, desde el momento que motivos del presente o del pasado son adecuados a contextos nuevos donde la capacidad comunicativa de las imágenes sugiere un amplio abanico de significaciones. Asimismo, el acercamiento de los artistas a la fotografía, los performances, el video o los filmes supone una forma de escenificar la imagen mediante la pintura o el registro fotográfico para presentar nuevas estrategias creativas más allá de la temporalidad, creando una nueva iconografía. Al “escenificar” la imagen, surgen nuevos “estratos de representación” pues detrás de cada una de ellas puede nacer un nuevo significado o una imagen distinta.

 

Asimismo, la revaluación de la pintura a través de un proceso de apropiación de motivos fotográficos, despoja a las imágenes originales de su significado inicial para desarrollar un nuevo potencial narrativo. En el caso de la serie ESCENARIOS, algunas imágenes cargadas de significado histórico en las que domina el tema de la guerra, David Ocón, consciente de una realidad histórica y política, las transforma, las duplica o las fragmenta; les imprime movimiento, suprime los detalles o las colorea de manera arbitraria de modo que una vez manipuladas, pueden ser descifradas como parte de los acontecimientos relacionados con la retórica del poder, la alienación o la violencia, pero difícilmente con un hecho específico. Más que representar personas concretas, el artista muestra, en algunos casos, seres anónimos mediante imágenes apropiadas del fotoperiodismo, mientras que en otros, se impone la relación con la iconografía mediática de las cadenas televisivas como la CNN.

 

Las imágenes apropiadas de otras imágenes

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Obra de David Ocón.

 

Si el término apropiación se ha considerado como la concepción de imágenes a partir de otras, especialmente de la fotografía y del cine, los 18 óleos de David Ocón se apropian, sin duda alguna, de las imágenes fotográficas que forman parte del universo mediático del siglo XXI, tanto a nivel local como global. Sin embargo, es difícil ubicar o identificar a las personas o los diferentes hechos representados por el artista porque las figuras, el paisaje y los escenarios en general carecen de una identidad concreta, pues han sido trabajados sin detalle. Son siluetas difusas, definidas a través de una línea oscura, con los contornos apenas delineados cuyo interior en color claro, realizado mediante el uso de la espátula, permite al artista eliminar los detalles y otorgar a sus “criaturas” dramatismo, velocidad y movimiento, acentuando su condición anónima.

 

Ninguno de los 18 óleos tiene título y tampoco lo necesita, pues cada escena posee su propia narrativa: son temas relacionados con la violencia y las guerras, los desastres naturales, la condición migrante o el éxodo, que forman parte de las noticias cotidianas y cada obra muestra, más que un hecho concreto, la alienación y la deshumanización. El único indicador real es la cinta negra de los noticieros televisivos -un claro referente a la CNN- con el nombre de la exposición, subvirtiendo la relación tradicional entre título y contenido. El tema de la violencia, los paisajes desolados y calcinados, los desastres naturales, las siluetas y figuras humanas en total soledad y desamparo obedecen al propósito de recuperar un sentido de la historia del mundo contemporáneo partiendo de la cotidianeidad de las imágenes, que forman parte del imaginario colectivo. Son imágenes que no muestran un significado transparente: extrañamente incompletas son fragmentos de la realidad que el espectador se siente obligado a descifrar y a través de ellas tiene la posibilidad de interpretar la tragedia y el dramatismo sin sentirse excluido.

 

La puesta en escena

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Obra de David Ocón.

 

En cada cuadro se evidencia el protagonismo de la luz, pues más que un factor formal es un elemento que transforma la narrativa y crea comunicación, ausencia o presencia. Oscurece o ilumina los paisajes desolados -convertidos en tierra de nadie- y crea, junto con el color, reflejos y atmósferas irreales. La luz blanca junto con el blanco de titanio, transforma unas represas de oxidación en un paisaje más alegórico que real. En otras obras, ambos elementos -luz y color- crean atmósferas subjetivas y extrañas por las que desfilan gentes huyendo de una inundación o de un bombardeo, caminando o transportándose en una lancha, arrastrando un carromato y cruzando parajes inhóspitos. Una humanidad errante y anónima que el artista, al igual que el fotoperiodista, pinta de manera impasible. Los acontecimientos se presentan de manera múltiple y discontinua, pues al pintor le interesa contar la historia en diversos episodios sin regirse por un orden lineal, ya que cada imagen mantiene un discurso propio sin romper la relación con una realidad social, ideológica o política.

 

Asimismo, la arbitrariedad del color y el tratamiento de la luz construyen nuevas visiones del mundo y de la problemática actual generando distintos estratos de significación a través de personajes y paisajes distorsionados, con cielos color púrpura y morado donde revolotean los zopilotes como una sesgada alusión a los desechos de la antigua Chureca. En algunas ocasiones, la luz crea ausencia y transforma los paisajes en lugares devastados: una suerte de predios baldíos donde converge la deshumanización, la violencia y la soledad. En otras, las sombras crean una imaginería invertida que conlleva un fuerte matiz expresionista, afín al arte europeo de entreguerras o a las figuras violentas de Georg Baselitz.

 

La influencia de Piero della Francesca se evidencia en la atmósfera diáfana de algunas obras, especialmente en el tratamiento de la luz y la composición. Tal es el caso del cuadro con un recolector de leña al pie de unos árboles, donde contrasta el verdor con las tonalidades grises y blanquecinas del entorno y las pinceladas ágiles de la leña en las cuales destaca la presencia dibujística de la línea y un horizonte ondulado, sobre las áreas de color denso y luminoso. Frente a este cuadro pacífico de raigambre renacentista, contrastan los temas relacionados con la violencia: combatientes delineados en tonalidades claras con ocasionales toques rojizos o las dramáticas explosiones, como una gran bola de fuego, que pudieran provenir de un coche bomba o referirse a un personaje auto inmolado. En cualquiera de los casos, son personajes sin rostro donde los protagonistas y las víctimas han perdido su identidad y más bien son evocadas, de manera sesgada, por su papel heroico, manteniendo un propósito reivindicativo a través del recuerdo para mantener un distanciamiento de las situaciones traumáticas.

 

ESCENARIOS y el discurso narrativo

 

Mediante el apropiacionismo y la repetición, David Ocón hace referencia constante a los sucesos más dramáticos del mundo contemporáneo, creando un proceso narrativo donde el distanciamiento, la imparcialidad y la duplicación convierten las imágenes más familiares en fragmentos de una realidad efímera, que resulta difícil de asociar con un hecho concreto. Al igual que en La batalla de San Romano, de Paolo Ucello, en Escenarios existe una desconexión consciente del tema central para concentrarse en “la condición anónima” de los personajes representados. En este caso, la función del arte va más allá del hecho de embellecer: se trata de comunicar y revelar las constantes contradicciones de un mundo globalizado signado por la violencia, la miseria y la muerte, donde la alta tecnología y las redes sociales borran identidades en vez de reafirmarlas.

 

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